El Apuntador: Kintsukuroi / Flor de cemento, la obra del grupo Xona Bastarda que dirige Pablo Roldán, ha sido reconocida con el Premio Francisco Tobar García (producción teatral) del Municipio de Quito. El

Premio Joaquín Gallegos Lara (teatro), mientras tanto, fue para la obra conjunta Goteras / Memorias de cafeína, de Joce Deux y Edwin Mena. Este hecho muy significativo para el trabajo del grupo, seguramente va más allá del reconocimiento merecido. ¿En el pensamiento tuyo Pablo y del grupo estuvo diseñada alguna forma de predestinación para suponer que ese premio u otro tendrían que llegar?

Pablo Roldán: Xona Bastarda es un colectivo trasdisciplinar en tránsito, investigativo de arte contemporáneo, enfocado en la descolonización estructural del arte escénico-no more Shakespeare- no more occidente. Somos performer 24/7, nos amparamos en la categoría sabrosura performativa- realismo cholo made in taiwan- que tiene la particularidad de ser como la radiografía de la época, no registramos el instante, sino que presentamos la sensación del mundo en el que vivimos.

El lenguaje escénico bajo esta categoría no denota lo que designa, sino que desplaza el sentido en la manera de asociar elementos/disciplinas artísticas que parecieran no tener ninguna relación entre sí (Lenguajes artísticos combinados). Nuestro objetivo es encontrarnos constantemente con el publicx, es tener la sala llena y poder difundir nuestro trabajo constantemente. Xona Bastarda al ser un espacio que contiene a diversos artistas y a distintas disciplinas, reflexiona en sus productos artísticos desde lo contemporáneo; es decir se expone a si mismo (el acto de presentar el presente).

En este sentido, el arte contemporáneo /Xona Bastarda  es diferente del ‘arte Moderno, que se dirige hacia el futuro y diferente también del Posmoderno, que es una reflexión histórica sobre el proyecto Moderno. El arte contemporáneo privilegia al presente con respecto al futuro o el pasado`. Indico esto porque: never/nunca se construyó Kintsukuroi con el fin de ganar un premio. Celebramos el premio; “una alegría tan insoportable como lo sería la visión de un antílope bajando por una arboleda”, es un estímulo a todo el amor/construcción escénica/kinzukuroi. Creamos un interior (performer /creadores) completamente nuevo, un mundo extraño (obra  artística) un mundo completo, poético, extraño y completo en sí mismo. ¿Sobre qué tendría que llegar?  Más arte para todas y todos, más salas llenas, más difusión, más festivales dispuestos a lo contemporáneo, más arte en las periferias de la ciudad, más empatía para con lxs trabajadores del arte, más mercado artístico, más flow, mas flow.

EA: Este gran reconocimiento a la cultura y al teatro, que significa el premio para tu obra, nos ubica en la necesidad de entender al movimiento teatral, al trabajo sostenido que mantiene el teatro independiente en Quito y en el país. ¿De qué manera se configuran las nuevas formas de participación y de creación del teatro, para volver a pensarse como una corriente de pensamiento que pueda incidir en la realidad?

PR: El arte escénico siempre incide en la realidad, toda obra artística produce una forma de influencia directa o indirecta sobre el consumidor de arte. La obra de arte busca el lugar que desea cuestionar. EL premio para Kintsukuroi es una acentuación al trabajo investigativo, a los nuevos lenguajes escénicos, a lo liminal, a lo inédito, al trabajo constante, al intercambio, al producto escénico en constante tránsito y predispuesto a su propia evanescencia permanente.

La vida siempre se encarga de colocar las naranjas dulces en el camino. Entender a la escena contemporánea, es una experiencia compartida por dos instituciones; lo independiente y estatal, el amado y el amante, pero estos dos proceden de regiones distintas. El amado siempre sabe que es un amor en solitario, es por eso que el amado se auto-cobija con sus propios performer, crean obras, engendran su propia tradición, saben que no pueden predecir el futuro sino que demuestran en su accionar / obra escénica un nuevo comienzo, `de un futuro en el que el orden que define nuestro presente perderá su poder y desaparecerá`.

El amante/instituciones gubernamentales, municipales está constantemente deseando que la relación se actualice, es portadora  de acciones pasadas, refunda la patria cultural/artística cada periodo de cambio de gobierno, es un amor rutinario. Entre el amado y el amante debería ser posible trasnochar y ser menos retobados para poder lograr que esa piedra contaminada/la rutina se convierta en un beneficio para la ciudad, con arte para todas y todos. Conocer una nueva forma de construcción entre lo independiente y lo estatal, El amante y el amado en convivencia para la creación con decoradores artísticos tanto nacionales como internacionales. No-sé es una opción,

EA: Sigues pensando que debemos volver a la tragedia o a la acción trágica, (“Lo cotidiano es trágico”, dijiste) para desentrañar ese sentimiento de culpa que nos ha sido impuesto por el sistema. ¿El teatro debe recuperar una manera pragmática de decir las cosas? ¿Responder al acto de la escucha de la gente?

PR: A veces, uno se encuentra con su propia  tragedia ‘que es bestia en tránsito de hacerse humana’. Creo que deberíamos crear nuestra tragedia local, con semidioses actuales y de la ciudad que habitamos, con estructuras escénicas desde nuestros contextos actualistas. Sí, lo cotidiano es trágico, más aun en nuestro país, vivimos en un narco estado, todo se resuelve a lo Netflix y sus narco novelas, pistoleros con el cerebro cargado de metafetamina, dispuestos a convertir tu cuerpo en un cernidor, lo cotidiano es trágico. El mundo es un juego de play station: Rise of the Cartels. En este sentido, el arte contemporáneo escénico debe manifestar su propia contemporaneidad, estar inmediatamente presente, captar la presencia del presente de una manera radicalmente poética, incorrupta por viejas tradiciones escénicas.

 EA: Tú señalas lo siguiente: los premios (del municipio o de otras instancias oficiales) son ‘una forma de reconocimiento’ para las artes escénicas. Porque -dices: ‘me parece importante que existan muchos más premios para muchas más obras’. ¿No es demasiado riesgoso concederles a los premios institucionales una excesiva condición de definidor del logos, de sus formas de incidencia y una primacía en el trabajo artístico? La analogía sería la novela de Cortázar, con las distancias correspondientes, llamada justamente Los premios, que muestra el destino incierto de un grupo de personas que ganaron un viaje en la lotería y se embarcan en un viaje con destino incierto.

PR: Creo que es importante el reconocimiento interno, como manifiesto inclusivo para con las artes.

Acentuar la práctica escénica desde los ejes estatales es mirar el amplio ecosistema artístico. Indico esto dado que es necesario saber que estamos en un nuevo momento en todas las prácticas y disciplinas artísticas, la era digital indica nuevas narrativas en todos los ecosistemas. Los medios digitales, mediante sus redes contemporáneas, ofrecen al usuario la posibilidad de presentar sus videos, fotos, textos de manera que no puede distinguirse de una obra artística. Todo es arte.

¿Cómo puede sobrevivir el artista en un mundo en el que todos, al fin y al cabo, pueden convertirse en artistas? Un premio o varios premios no garantizan el ser artista, pero la poética Sí. Kintsukuroi es poética en tránsito. La poética construye productos artísticos contradictorios, establece campos de discusión, formula temas en contra de la transfobia, fobia, la poética acompaña a las poblaciones, la poética es un estímulo para un mejor vivir. Se debe reconocer la poética, acentuar  el trabajo artístico y declinar la fascinación al melodrama  y sus derivados a lo Master Chef-versión teletuvilandia. Dale like a lo poético.

Cortázar… me es difícil hablar de la novela que mencionas, mi afinidad es más actualista, prefiero el saber que mi/yo artista o mi política performera, asume el premio como el reconocimiento a la investigación desarrollada entre cuerpo y dispositivos tecnológicos que desarrollo en mis obras. Es un premio cariñoso de eso florecerá un sauce. Más aún sé que mi/yo creativo sabe que los performer 24/7 tenemos el camino lleno de bardo por que impera el modernismo escénico, tal cual imperan los narco-políticos en contra de la población. Por ahí va la vuelta de tuerca bro. Ahora me subo al pony con un cartel en la mano que diga arte, arte, arte, llego a la cresta de la ola y lo disfruto.

Arte, arte, arte como forma de vida, arte desde nuestro procesos internos, hacia el afuera, Insisto, nuestro cerebro esta colonizado, en el afuera y en lxs de afuera encontramos el referente, afuera es el termómetro. Yo a esto digo NO. Desde mis obras propongo lo contrario, una poética made in el Tingo para el mundo. (El Tingo barrio categoría sub B de la ciudad de Quito). Que se visualicen las artes escénicas por medio de distintos reconocimientos, en el sentido de existencia dentro de la plataforma gubernamental o municipal. Porque al reconocer existimos, somos visibles y nuestros derechos como trabajarxs artísticos pueden crecer en salud, educación, seguro médico, etc.

EA: La residencia artística del Teatro Sucre fue un reto artístico para ti y para el trabajo del grupo. “Porque es la única plataforma que existe en investigación contemporánea”, fueron tus palabras. El resultado se llama KINTSUKUROI / Flor de cemento que ha sido profusamente difundido. ¿Cuál es el balance que puedes hacer de este proceso con la obra? ¿Cuáles son las percepciones y la recepción del público? ¿Existe un nuevo centro de gravedad artístico, ontológico?

PR: Residir en el arte es transitar, fluir, investigar en lo liminal, para esto se necesitó empatía y contención. Mis compañerxs son semidioses performer, son bellísimos, la fuerza de sus investigaciones escénicas individuales, de su poética, de su vida misma están puestas en cada montaje, yo creo que compartir el espacio escénico con Andrea Estrella, Francisco Ordoñez, Verónica Castillo Bastidas, Juan Benítez, Viviana Sánchez, Zully Guamán, Paul Moposita  es resaltar la presencialidad de los cuerpos en interacción con el entorno, la singularidad del acontecimiento presente y sus despliegues en el espacio y en el tiempo. Son artistas que llevan una emoción escasa en la vida, el amor. Ellas y ellos son pálpito de la sangre que será mito. Sí, acepto, me hago cargo de lo que indiqué y lo afirmo constantemente.

El Teatro Sucre y su Festival Fiesta Escénica son la única plataforma que tiene empatía con lo escénico contemporáneo, primero porque existe un equipo administrativo, técnico que colabora con los requerimientos de mis obras. Son profesionales, que visualizan lo transdiciplinar. Segundo, su festival cumple una doble función, por un lado es el que nos informa de nuestro tiempo escénico contemporáneo mediante la programación de obras liminales y por otro lado tiene la función de mantener la memoria. Contener una investigación artística requiere de escucha  y amplitud de sentido, Josie Cáceres, ex directora de la Fundación Teatro Sucre, sabía que cada tiempo tiene su propio arte y contuvo la creación de Kintsukuroi, ella es la Afrodita de nuestro Olimpo.

La difusión de Kintsukuroi corresponde al trabajo colaborativo entre lo independiente XONA BASTARDA y la FTNS, lo desarrollamos por nuestro canales digitales Facebook e Instagram. A esto se juntaron los canales de difusión de Mugre Sur, Andrea Barrio Nuevo  y las redes sociales de lxs compañerx, Como medios culturales están El Apuntador y Tamices. Si te fijas, es una red de contención desde y únicamente desde los nuevos medios, a mí personalmente no me interesa pactar con sombras. Nosotros los trabajadores del arte creamos nuestros propios canales de difusión, a la prensa tradicional no le interesa el acontecimiento cotidiano artístico. ¿Hay una guía diaria en algún canal periodístico tradicional sobre las obras escénicas que se plantean a diario en la ciudad de U.I.O.? No. Es un amor que no fluye, nos dejaron de querer, yo prefiero verlos partir y hacer el duelo mirando alguna película de Marvel. La difusión se sostiene en el público que llenó nuestras presentaciones. Los medios digitales son nuestros aliados. On fire. 

En Kintsukuroi concebimos la presencia del espectador  como forma y sentido que se sitúa entre los distintos cuerpos escénicos. Todo lo que un performer mueve en el corazón de un espectador, tiene la finalidad de hacer/se presente. Es un hermoso pájaro azul. Kintsukuroi en combinatoria con sus espectadores es acciones, pensamientos, voces, sonoridades, territorios que captan fuerzas en la acción escénica. Kintsukuroi en palabras del cronista cultural de Facebook HRenato Palacios es: ‘ritual transgresor que juega con lo popular, lo barroco; y  teje hilos muy finos con lo absurdo y sus infiernos de la modernidad’. En Kintsukuroi el cuerpo espectador y el cuerpo performativo tienen la capacidad de transformarse/cambiar según la intensidad de fuerzas que los atraviesen, estos dos se perciben desde la simultaneidad de tiempos, la percepción del son un cuerpo/ecosistemas habitados por antepasados. 

El arte actualista/contemporáneo está presente, existe, es ontológico, hay una amplia cartelera semanal, son los engranajes los que no manifiestan empatía y afinidad para  con las distintas carteleras artísticas de la ciudad. Este país tiene que seguir avanzando, el arte aportaría al crecimiento como Estado/País. El arte y lxs artistas somos una procesión de presencias que podemos captar el presente. Falta un poco de dembow y voluntad administrativa para convertir a U.I.O. en la ciudad de las artes contemporáneas.

EA: Por último, Pablo, siguiendo con el tema de las residencias, sabemos que ahora mismo estás en Alemania. Háblanos de ese  proyecto, en qué consiste, sus tiempos, sus retos y sus contenidos.

PR: Sí, estoy en Berlín. Yeah baybi. Acá realizo  ZementBlume un proyecto en comunión con Elena Cremer (influencer) artista visual alemana. El proyecto trata de una investigación visual/ performance en espacios públicos emblemáticos de la ciudad desarrollada mediante una residencia de creación (4 semanas) que investiga al cuerpx del Performer y su relación con la naturaleza dentro del contexto específico del Antropoceno, el impacto de las actividades humanas sobre los ecosistemas terrestres. En ZementBlume trabajaremos el mimetismo escultural de la naturaleza y el perfomer. El material visual y sonoro es recopilado y exhibido en un recinto de la ciudad.

Al regreso a U.I.O. pensamos la apertura de Mutante centro de investigación de arte, ciencia y tecnología, lo abriremos, seremos felices y buscaremos siempre la empatía con lo contemporáneo/performance con lo que está en tránsito, con la investigación, con el amor, con la cumbia, con el reggaetón, con todo el ecosistema made in taiwan y su sabrosura performativa.